takashmen

Myślę że jest to wymówka, ja też rysuję na małym formacie, te 3 szkice mają wymiary około 8x8 cm każdy, specjalnie zmierzyłem. Nic nie stoi na przeszkodzie żeby zrobić projekt postaci Maga jako rysunek w ołówku, na preferowanym przez Ciebie formacie, używając załączonych poniżej referencji. Trzeba być świadomym że na przestrzeni lat, wielcy artyści korzystali z referencji czy to z modeli ustawionych przed nimi, czy z fotografii, 3 przykłady

Hej, wracam do mojej propozycji zmiany podejścia, i namawiam Cię do spróbowania, przede wszystkim korzystania z referencji. Spróbowałem zinterpretować twój rysunek maga z krukiem i przełożyć go na formy które możemy znaleźć wokół nas, oto efekt. Kilka decyzji które podjąłem: zmiana tiary na bardziej rozbudowany kapeluszo - kaptur moim zdaniem dodaje magowi powagi i mroku, jest zakryty pokazałem jego ręce dałem mu czarodziejską laskę, przesunąłem kruka na rękę tak aby bardziej rozdzielić kompozycję. Z takiego szkicu można dążyć dalej ku pracą osoby którą pokazałeś jako inspirację kilka postów wcześniej. Daj znać co o tym wszystkim myślisz.

Konstrukcja średniowiecznej maszyny. po drodze się trochę zamysł zgubił i czas skończył.

Super, mamy coś na początek, jakąś historię. Skup się teraz na opisaniu osoby adepta magii: Jego wygląd, jakieś cechy charakterystyczne, ubiór, skąd pochodzi - warstwa społeczna. Zaproponuj w jakim okresie historycznym dzieje się twoja historia, w jakim regionie świata, wszystkie te detale pozwolę później na stworzenie wiarygodnej postaci Zbuduj jego wizję w postaci opisu, oraz zbierz referencje jego ekwipunku, ubioru, twarzy. Nie podchodź do tego z taką dozą negatywności, szkodzisz tym sobie, od czegoś trzeba zacząć, a historia którą zaproponowałeś jest dobrym początkiem. Prace tego gościa mają fajny styl i traktowanie formy, jeśli przygotujesz brief i referencję weźmiemy na warsztat to w jaki sposób maluje i spróbujesz przenieść go w swoje prace :)

Piękne, super że udało Ci się wydobyć dysk z czeluści i się z Nami podzielić. Można gdzieś ten teledysk zobaczyć, jestem ciekawy efektu końcowego :)

Hej, nie ma co zazdrościć, można natomiast przeanalizować to co Ci się podoba i wprowadzić do swoich prac. Rozumiem że na tą chwilę nie wiesz jak podejść do wykreowania oryginalnego pomysłu? Sposobem który ja mam na to jest stworzenie briefu. Taki brief zakłada napisanie krótkiej historii opisu dotyczącego projektowanego elementu, czy to postać, lokacja, czy inny obiekt, a obok zamieszczenie referencji które są inspiracją i nawiązują wizualnie do opisu. Ważne żeby nie używać zdjęć i prac innych artystów, należy sięgnąć głębiej. Warto znaleźć takie referencje które rozwiązują w jednym momencie jak najwięcej zagadnień z opisu. Stwórz taki brief z twoim pomysłem, używając tego szablonu, dorzucam też dwa moje, opis jest po angielsku, ale użyj języka w którym czujesz się swobodnie, z takim briefem będę mógł Ci pomóc z wykonaniem, zaproponować podejście, które się dla Ciebie sprawdzi :)

A najlepiej working gray, możesz go sobie dać wtedy n skrót ctrl+Y

Hej @ArnoldSzczesliwy , dzięki, nie ma głupich pytań, dobrze że pytasz. To ćwiczenie ze sprowadzeniem zdjęcia, czy obrazu do 5 walorów, powinno się odbywać z koloru do waloru, bez zamieniania elementu studiowanego na czarnobiałe. Ponieważ celem jest wyćwiczenie oka w syntezie i umiejętności intuicyjnego decydowania co jest prawdziwym kształtem / formą a co jedynie jego lokalnym przejściem waloru. Nie zamieniając na bw symulujesz też niejako pracę w plenerze / z martwą naturą.

Cześć @ZiN Wracam do Cibie z kolejnymi overami, fajnie że zrobiłeś ten szkic czaszki, jest on krokiem w dobrą stronę, jedyna rzecz to spróbuj nie używać gradientów, łatwiej będzie Ci z walorowymi szkicami nimi pracować. Przenosząc się do twoich prac, kilka rzeczy: Głowa czaszka jest kulą - cylindrem, zależnie od interpretacji: Płaszczyzny dalej od widza będą więc skierowane w przeciwną od niego stronę, nie będą przyjmowały tyle światła co na twoich rysunkach. Płaszczyzna jest "płaska" nie ma potrzeby dodawać jej przestrzenności poprzez tworzenie walorowego stopniowania - powstaje wtedy coś takiego co kojarzy mi się z warstwicami z lekcji geografii Jeśli malujesz w ten sposób, zużywasz pełną skalę waloru tam gdzie jest to niepotrzebne zupełnie i tworzysz jednakowość, która prowadzi do monotonii. Hue shift - dobrze widoczne jego zastosowanie na dolnych zębach, w twojej wersji dodałeś kolejny stopień waloru a można to rozwiązać prościej poprzez zróżnicowanie kolory dla przeciwległych płaszczyzn. Kształty ich rytmika - spójrz na przykład na włosy, każdy ze strąków jest tej samej wielkości, rozumiem że dążysz do uproszczenia i stylizacji, warto natomiast skupić się także na takich małych mikro kompozycjach, zestawieniach elementów, żeby unikać powtórzeń. Kierunek światła - odpowiednio oświetlone płaszczyzny: zęby - jeśli uprościsz je do form trapiezoidalnych, powinny one mieć oświetlone inne - węższe boki, ponieważ światło pada od boku, oraz jeśli płaszczyzna twarzy skręca od widza po łuku jak cylinder, oczodół i oko, będzie w cieniu lub miało inny ciemniejszy walor niż bliższy oświetlony oczodół. Obiekty mają grubość i oddziaływają na siebie - opaska - włosy, będą one wchodzić przed linię opaski, sama opaska odegnie się odwrotnie niż na twojej wersji. Ciało ludzkie, szczególnie cienkie jego elementy jak uszy, nos, dłonie, mają właściwość o nazwie SubSurface Scattering Kość jako materiał będzie dość mocno odbijała światło i będzie miała mocno widoczną fakturę nierówności, szczególnie w highlightach

Średniowieczny widok z steampnkowym twistem.

Dzięki za podzielenie się przemyśleniami, super że chcesz postawić na intuicję i w taki sposób budować strukturę swoich prac. Natomiast uważam że nie powinieneś poruczać swojego analitycznego podejścia do malowania, a przełożyć je na inny system. System 5 walorów właśnie. Malowanie w skali szarości jest nienaturalne, trudno jest potem przejść do koloru, to co ja Ci proponuję to tworzenie dodatkowego kroku podczas procesu, szkicu / rysunku w pięciu walorach. Taki rysunek nie przewiduje przejść tonalnych, plamy są jasne opisane, światło mocno widoczne na formach obiektów, kształty narysowane z ekspresją i dynamiką. I tyle albo aż tyle. Ja często robię takie rysunki, szczególnie jeśli pracuję z dużymi ilustracjami, czasami robię go na początku, lub będąc niezadowolony jak wygląda mój render 3D przemalowuję go pod tym kątem w walorze. Tak, jak najbardziej zgadzam się z podejściem relatywnym, ty jako artysta zestawiasz elementy i kreujesz ich obraz dla lepszej ekspresji i dobitniejszego opowiedzenia twojej historii. Jednak nie szedłbym aż tak daleko jak stwierdzenie że właściwości fizyczne obiektów i tak jak na siebie oddziaływają są względne, powinny raczej odzwierciedlać rzeczywistość tak aby zbudować wiarygodność kreowanego przez nas przekazu. Rozumiem, kolor daje więcej ekspresji, jednak prawdziwa i największa ekspresji dzieje się w walorze, tam syntezujesz, upraszczasz rzeczywistość, budujesz dynamikę i ekspresję formy. To o czym mówisz jest lokalnością barwy, tak zwanym hue shift i jest wynikiem dalszego rozbijania 5 walorów na podgrupy według zasady: Do 40% zmiany formy, należy pokazać poprzez max 20% zmianę 2 z 3 parametrów Barwy = Color = Hue + Saturation + Brightness (Brightness który odpowiada za walor, powinien być dotykany jak najrzadziej) Czyli dla przykładu jeśli przypisujesz płaszczyźnie: walor 3 i barwę czerwoną, nadajesz mu formę poprzez lekką zmianę koloru, i nasycenie, zależnie od światła i jego otoczenia i tutaj właśnie wchodzą twoje analityczne umiejętności , które pozwalają Ci dokonać właściwego wyboru :) Poprzez ćwiczenie które ci zaproponowałem możesz wyćwiczyć swoje oko do zauważania tych relacji walorowych i umiejętnego i ekspresyjnego syntezowania rzeczywistości. Kilka przykładów jak ja starałem się używać podejścia z walorowym szkicem. Dwie pierwsze prace to moje ilustracje, ostatnia to uproszczenie czarno białego zdjęcia i próba nadania mu koloru, fajne wyzwanie, polecam spróbować :)

Aukcja. Ostatni z syreniej serii, maj za nami, czas na inne tematy.

Hej @Kalberos Gratuluję kolejnych publikacji, fajnie to Ci idzie, najbardziej podoba mi się ostatnia praca ze statkami, jest w niej najwięcej precyzji. Przechodząc do postaci, nie poddawaj się tak szybko, dopiero zacząłeś a design szczególnie sci fi wymaga dużo iteracji ze względu na funkcjonalność i celowość jaką elementy muszą spełniać. Chciałbym żebyś z tymi fajnymi sylwetami które stworzyłeś zadał sobie kilka pytań: Ponieważ postać umiejscowiona na pustyni, jakie techniki przetrwania stosuję? Jeśli zbiera szpej, to może zamiast trzymania go pod płaszczem, co utrudnia ruch i w piasku go zakopie, ma pudło drony, rożnej wielkości, ja zrobiłem w takiej skali, ale może jest to coś od ziemi mające dwa metry, co jest równocześnie jego schronieniem, i miejscem gdzie trzyma wodę , może to pudło jeśli mniejsze rozkłada się jak namiot i w nocy ma mechanizm zbierający wodę z powietrza. Jaki można wzmocnić przekaż że jest zbieraczem, ja dałem mu zamiast dłoni chwytak, taka klisza na szybko Takie pytania można mnożyć i im bardziej się zastanowisz, rozkminisz rozwiązania, tym design będzie bardziej wiarygodny. Tak jak napisał Arnold, coś nie tak z proporcjami się stało, głównie przez zaciemnienie sylwetki postaci peleryną i wiszącymi śmieciami. Czy wybierzesz drono pudła czy coś innego, rozdzieliłbym design samej postaci od jego zewnętrznego ubioru, jak peleryna, kaptur, pokazał to na dodatkowym ujęciu, lub nie robił tego tak inwazyjnego i zasłaniającego całej twarzy i większości designu - tors, ręce.

Syreny na targu. + gif z procesem, ten bardziej na speedzie @yarosh dzięki za podzielenie się doświadczeniami, myślę że znajdziemy rozwiązanie na twoje problemy, co do mojej poprzedniej pracy to jest ona w 100% namalowana

Cześć @ZiN Przede wszystkim gratuluję progresu, który jest widoczny. Na podstawie ilustracji którą zamieściłeś chciałbym zaproponować Ci zmianę podejścia do malowania / rysowania. Na tą chwilę poruszasz się w metodologii która nazywa się "line drawing" czyli rysunek obiektowy, każdą formę traktujesz jako osobny ograniczony granicami(liniami) element któremu nadajesz walor od 1-8, jest to system matematycznie poprawny i taki jak używają programy 3D, natomiast nie jest to podejście które zastosowałby malarz taki jak Sargent, Mullins czy Jamie Jones czy Devin Korwin https://www.artstation.com/devinkorwin) U tego ostatniego miałem mentorship, który otworzył mi oczy na właśnie to podejście. Używają oni metodologii "mass drawing" czyli rysunku form światłocienia Jest książka która traktuje o obu tych podjeściach, The Practice and Science of Drawing. By HAROLD SPEED możesz ją pobrać z mojego OneDrive: https://1drv.ms/b/c/e1cbcbccee40d6fe/ERkDfEdsNX9IsTLBUjT0mSwBfHI-mId6bLsraOWlNKRbAw?e=p99A0Q W tej metodzie rysunek sprowadza się do zapisu plam światła i cienia przy użyciu 5 walorów, granice między poszczególnymi obiektami nie mają znaczenia, przestrzeń buduje się poprzez kontrast i zestawianie kształtów w różnych walorach. Wiąże się to z zastosowaniem kompresji waloru ze skali 10 stopniowej do 5. Tekstura i faktura również nie mają znaczenia na tym etapie, są one lokalną zmianą waloru. Takie podejście dają kontrolę nad całym obrazkiem i pozwala okełznać każdą ilość elementów, jest także podstawą dla pracy z kolorem. Ale zanim przejdziesz w kolor chciałbym ci zaproponować ćwiczenie walorowe, które mi bardzo pomogło, i które odblokowało mnie z malowaniem. Mianowicie wykonanie jak najwięcje ilości takich study jak poniżej. Przerysowanie w sposób analityczny i przy użyciu kompresji waloru prac mistrzów (Sargent, Zorn, Riepin) lub zdjęć fotografów użwających analogów jak na przykład ten: Homer Sykes https://www.alamy.com/stock-photo/?name=Homer+Sykes&page=45&pseudoid=886410A4-B340-4AE8-B9AE-89AE03DC32B8&sortBy=oldest-datetaken przy użyciu tylko 5 a najlepiej 3 walorów, w ten sposób ćwiczysz rysunek - czyli umiejętnośc dokłądego zapisu form, a skupiasz się wyłącznie na tym co jest w światle a co w cieniu, bez oddzielania obiektów sztucznie od siebie. Wracając na chwilę do twojej ilustracji, widziałem że zamieściłeś prace w walorze na początek, jest to dobry start, stworzyłeś zapis obiektów, kolejnym krokiem powinien być globalny zapis mas światła i cienia, taki jak ja wykonałem, z takiego rysunku można w łatwy sposób przejść do koloru, ja wycinam poszczególne walory do warstw, przypinam cliping masks i nieograniczony granicami plam nadaję kolory. Jeśli masz jakieś pytania chętnie na nie odpowiem :)